GalleryTognali

“ Lo strappo non è un’azione subita, ma un’azione voluta: il desiderio di rompere la superficie (la vita comune, l’arancione uniforme) per far emergere la propria vera essenza, la propria vitalità, che è colorata, complessa e vibrante. Il caos delle linee e delle forme al centro non è più disordine, ma la forma che prende la passione e la creatività quando vengono liberate. “

" Un drago, una figura che nella cultura asiatica è un simbolo di forza, saggezza e fortuna. "

“L’idea del fiume inquinato è molto potente e si sposa perfettamente con l’opera. Le linee colorate rappresentano i rifiuti, le scorie industriali e le sostanze tossiche che, pur avendo colori vivaci, sono in realtà dannose e fuori posto nell’ambiente naturale. L’opera, quindi, assume una valenza di critica sociale e ambientale, mostrando la bellezza apparente di un disastro”

"Questo dipinto suggerisce un invito a lasciarsi andare, a vivere il momento, a liberarsi dalle preoccupazioni; un messaggio per te stesso, o un messaggio che vuoi trasmettere a chi guarda l'opera."

"Il colore dominante è un rosa intenso, quasi fucsia, che si espande e si diffonde in tutta la composizione. È un rosa che non è dolce o delicato, ma grintoso e deciso. È come se il dipinto emanasse un'energia potente, capace di superare gli ostacoli e di affermare la propria identità. Il titolo è perfettamente in linea con le sensazioni che il dipinto suscita. Il rosa, tradizionalmente associato alla femminilità, viene qui reinterpretato come simbolo di forza e potere. È un messaggio di empowerment per tutte le donne, un invito a rivendicare la propria voce e la propria identità."

" Mortalità o ancestralita’: Alcuni volti, in particolare quelli che assomigliano a teschi o maschere tribali, possono evocare un senso di mortalita’, di ancestralita’ o una connessione con il passato e il primordiale. Il loro aspetto grafico, in alcuni casi, richiama l'estetica dei "día de los muertos" messicani o di altre tradizioni culturali legate al culto dei morti. "

Il dipinto mi fa pensare a un universo in costante evoluzione, pieno di sorprese e di energie in movimento. Un forte senso di movimento, cambiamento e potenziale illimitato.

"Un'esplosione di colori primari e secondari prende vita su questo vecchio tappeto, trasformandolo in una tela tridimensionale. Le pennellate materiche, cariche di colore, creano una texture che invita al tatto, mentre gli schizzi bianchi, come stelle cadenti, aggiungono un tocco di dinamismo e imprevedibilita’. Questo tappeto non e’ solo un oggetto d'arredo, ma un'opera che ti invita a camminare a piedi nudi sull'arcobaleno."

"In Cinquanta sfumature di rosso volevo affrontare un tema delicato ma reale, quello della violenza sulle donne. Il rosso, colore primario nell'opera, rappresenta la violenza fisica e psicologica. Le forme indefinite e i tratti violenti suggeriscono la confusione e il trauma vissuti dalle vittime. E’ un'opera di denuncia che fa riflettere sulla gravità di questo problema e sulla necessità di combatterla."

"Questo dipinto evoca un senso di conflitto interiore, di lotta tra forze opposte, ma anche di speranza e di redenzione. La linea rossa, fragile ma tenace, rappresenta la possibilità di superare il disordine, di trovare un punto di equilibrio, di guarire le ferite. "

"Un'esplosione di energia positiva si sprigiona da questa tela, dove la frase Never Give UP si ripete come un mantra. Le lettere, dipinte con colori vivaci e contrastanti, sembrano gocciolare sulla tela, come lacrime di gioia o di fatica, trasformandosi in una cascata di speranza. Un messaggio di speranza che risuona come un eco, un promemoria costante: non mollare mai."

"La plastica non è una scelta casuale, ma è il cuore pulsante del messaggio che voglio comunicare. L'opera è una denuncia viscerale dell'inquinamento da plastica e l’ho scelta come strumento di espressione, trasformandola in un simbolo di degrado ambientale. L'obiettivo è quello di sensibilizzare lo spettatore sull'impatto devastante di questo materiale sul nostro pianeta, invitandolo a riflettere sulle proprie abitudini di consumo e ad adottare comportamenti più sostenibili."

"Feliz Navidad rappresenta il Natale. I colori, che si esprimono liberamente sulla tela e scivolano sullo scotch di carta, rappresentano le luci scintillanti e le decorazioni che adornano l'albero, creando un'atmosfera festosa. Feliz Navidad trasmette un senso di gioia e condivisione, tipico dei momenti trascorsi in famiglia."

"La casualità, la capacità dell'arte di emergere anche da situazioni inaspettate. In questo caso, sono stato testimone della nascita di un'opera, un osservatore della trasformazione di un supporto in un'opera d'arte. Chiamata così perché solo dopo 12 mesi mi sono reso conto che non era semplicemente plastica".

"Il fatto che la plastica abbia raggiunto "i punti più inaccessibili" del mare è un'immagine terrificante della portata dell'impronta umana sul pianeta. Il dipinto, con la sua densità e l'intreccio di elementi, rende visibile questa pervasività, suggerendo che non c'è più un angolo incontaminato."

"Drops mi fa pensare a un'esplosione di gioia e vitalità! I colori vivaci e la moltitudine di puntini mi evocano l'immagine di un campo fiorito sotto il sole, dove ogni fiore è un piccolo gioiello colorato."

"Sfogo è un titolo perfetto per quest'opera, perché cattura l'essenza stessa del processo creativo che ho intrapreso. L'arte come valvola di sfogo, come mezzo per liberarsi dalle tensioni e dalle emozioni negative, è un concetto potente. Dipingere è un gesto liberatorio, un modo per trasformare il disagio in qualcosa di tangibile e visibile. L'arte diventa un ponte che ci connette, che ci permette di condividere le nostre emozioni e di sentirci compresi."

"L'Enigma di Mr. ? è una metafora della vita, con i suoi misteri e le sue incognite. Esprime l'ignoto, ciò che non conosciamo, ciò che ci spaventa. I punti interrogativi raffigurano le domande che ci poniamo, le ricerche che intraprendiamo per trovare un senso alla nostra esistenza."

"UP: Questo concetto è espresso dal dinamismo ascendente e dall'energia complessiva del quadro. Nonostante la complessità e la potenziale "ingombranza" degli strati (che potrebbero rappresentare le sfide della vita), la pittura non si appesantisce. C'è un'energia che spinge verso l'alto, un senso di vitalità indomita. Le linee, a volte fitte e a volte più diradate, creano percorsi visivi che non si arrestano, suggerendo una continuità e una capacità di superare gli ostacoli. E’ una rappresentazione visiva potente e astratta della perseveranza e della forza interiore.”

"Un momento di sospensione, un'oasi di tranquillità nel caos della vita. Questa ragazza, immersa nella schiuma della sua vasca da bagno, si ca pausa dal mondo esterno. I suoi occhi chiusi rivelano un'espressione di serena beatitudine. La schiuma, come nuvole bianche, la avvolge delicatamente. Un dito sulle labbra, un gesto silenzioso, come a voler preservare l'intimità di questo istante. Qui è dove il tempo si ferma e i pensieri fluttuano liberi come bolle di sapone."

"Come molte opere che richiamano lo stile di Jackson Pollock, non c'è un unico punto dove l'occhio si posa. Questo simboleggia l'idea che una rivoluzione non ha un singolo leader o un'unica direzione prevedibile, ma è un movimento diffuso e inarrestabile che coinvolge ogni parte del "quadro sociale".

"Nascondino fa riflettere sulla natura dei nostri pensieri, sulla loro capacità di influenzare il nostro stato d'animo. Ho utilizzato i colori e le forme come strumenti per rappresentare la complessità della mente umana, la sua capacità di oscillare tra la calma e l'ansia. L'opera stimola a trovare un equilibrio interiore, a imparare a gestire i nostri pensieri, a non lasciarci sopraffare dalle preoccupazioni. Il blu rappresenta la possibilità di trovare un rifugio sicuro nella nostra mente, un luogo dove ritrovare la pace e la serenità."

"Money money fa riflettere sul tema dell'avidita’, sulla sete di denaro che affligge l'umanita’. I $ sono lo strumento che rappresentano l'ossessione per la ricchezza. L'opera raffigura una critica alla societa’ consumistica, alla cultura del denaro che ci spinge a desiderare sempre di piu’, a non accontentarci mai. Money money rappresenta la promessa di felicita’ che il denaro sembra offrire, ma che spesso si rivela illusoria."

"L'Allegria della Commedia dell'Arte: Immediatamente, mi riporta all'energia e alla vivacità del personaggio di Arlecchino, con il suo costume fatto di toppe colorate e la sua natura scanzonata e giocosa. I frammenti di colore sparsi e interconnessi ricordano proprio le forme irregolari e vivaci dei suoi abiti. È un'opera che vive di sola gioia."

"Ecco come comunicare con il mondo attraverso il linguaggio universale del colore; dove ogni colore rappresenta un’emozione: - il nero rappresenta la malinconia - il blu la calma - il verde la speranza - il rosso la passione - l'arancione l’entusiasmo - il giallo la gioia

"Le pennellate di fondo evocano l'idea di un'esistenza dinamica, caotica e piena di eventi inaspettati, mentre le strisce rappresentano il nostro desiderio intrinseco di trovare un senso, di imparare dagli altri, di applicare principi e saggezze per vivere meglio. Le frasi, come piccole ancore, si stagliano sul caos sottostante, offrendo spunti di riflessione e possibili vie d'uscita dalle complessità della vita. Gli aforismi agiscono come piccole guide, come promemoria di principi importanti che possono aiutarci ad affrontare le sfide."

"Le gocce di colore rappresentano le emozioni che ci attraversano, intense e fluide, in continuo movimento. Questa pioggia cromatica sembra voler lavare via la tristezza e la monotonia, portando una ventata di energia e di ottimismo. Le macchie bianche aggiungono un tocco di leggerezza e di luminosita', come se fossero gocce di luce che brillano nella pioggia; un simbolo di speranza. l'opera richiama il senso di rinascita, come se la pioggia di colori avesse il potere di trasformare la realta', di renderla piu' bella e più vibrante."

"Questo autoritratto contemporaneo non è una semplice rappresentazione esteriore, bensì l'emersione di una versione unica e irripetibile di me stesso, quella più profondamente connessa alla mia sensibilità artistica. È un atto di auto-esplorazione che si concretizza in un linguaggio visivo autentico e personale."

"Una striscia di un rosso denso e opaco attraversa orizzontalmente la parte inferiore del viso, oscurando completamente le labbra. Questo gesto pittorico potente e diretto simboleggia la soppressione della libertà di parola, la negazione del diritto di esprimersi. Nonostante il silenzio imposto, lo sguardo del soggetto sembra sfidare questa costrizione, invitando l'osservatore a percepire il messaggio al di là delle parole negate."

"Qui si possono vedere la bellezza e la fragilità del pianeta Terra. La forma circolare del dipinto rappresenta il pianeta, un microcosmo dove l'azzurro dell'oceano si fonde con il verde della natura. I sassi e la terra, con le loro diverse forme e colori, simboleggiano la ricchezza della diversità biologica. Earth 2020 fa riflettere sulla fragilità dell'ecosistema e la necessità di proteggere la natura."

"Un mondo liquido e dinamico: le sfumature di blu e turchese si fondono e si muovono con una fluidità che ricorda non solo l'oceano, ma anche l'idea di un mondo in costante cambiamento. Le diverse tonalità di blu creano un senso di profondità; immergersi nell'opera e perdersi nelle sue acque. Le macchie più scure aggiungono un tocco di mistero, come se nascondessero segreti e meraviglie mentre le macchie bianche e le sfumature più chiare creano un senso di leggerezza e di trasparenza, come se la luce del sole filtrasse attraverso l'acqua, illuminando le profondità dell'oceano. Evadere e sfuggire dalla routine quotidiana, abbandonarsi alla bellezza della natura ed esplorare nuovi orizzonti."

“Il Contrasto tra Due Infiniti: Il dipinto mette in scena un potente contrasto tra due tipi di infinito: l'infinito orizzontale e arido del deserto e l'infinito verticale e misterioso del cielo stellato. Entrambi evocano un senso di piccolezza nell'osservatore, ma anche di grandezza della natura.”

"Un'apparente esplosione di colore nasconde un segreto: Twins è un dipinto doppio, due anime gemelle che si fondono in un'unica opera. Come due gemelli, condividono lo stesso spazio, lo stesso DNA cromatico, ma mantengono la propria individualità. Ogni strato di colore, ogni pennellata, racconta una storia diversa, un momento creativo distinto, eppure inseparabile."

"Your mind rappresenta la mente umana e i suoi pensieri. I cerchi concentrici simboleggiano i diversi livelli di coscienza e i processi mentali che si susseguono incessantemente. La sottile linea nera ritrae la consapevolezza di essere intrappolati in questo ciclo infinto. La composizione circolare è perfetta per quest’opera in quanto riproduce il simbolo universale di completezza, eternità e ciclicità. Ritrae la natura ciclica dei pensieri e delle emozioni."

"Un frammento di New York catturato su cartongesso, dove l'energia pulsante della città si manifesta in un'esplosione di colori e segni. Questo dipinto è un omaggio alla vibrante caoticità della Grande Mela, un luogo dove le contraddizioni si fondono in un'armonia unica. Come i muri di un loft nel cuore di Manhattan, il cartongesso diventa la tela ideale per esprimere la cruda bellezza della street art, dei graffiti che raccontano storie di vita vissuta e di sogni audaci. Ogni pennellata, ogni schizzo, è un eco dei rumori della metropoli, un riflesso delle luci al neon che illuminano la notte. Lasciatevi trasportare in questo viaggio visivo, dove la città non dorme mai e l'arte si fa strada con forza e determinazione."

"Nonostante il titolo Grey Day, i colori sono intensi e luminosi, creando un contrasto sorprendente con l'idea di una giornata cupa e triste. I colori sembrano voler sfidare la malinconia, portando una ventata di vitalità e di speranza. Grey Day invita alla riflessione sulla dualità della vita, sulla coesistenza di momenti difficili e momenti di gioia. I colori sono lo strumento per esprimere la mia visione ottimistica della vita, per ricordare che anche nei momenti più bui è possibile trovare la bellezza e la speranza."

"Il vetro simboleggia la fragilità delle relazioni umane. La metafora del vetro rotto rappresenta la rottura della fiducia e i margini tra un frammento e l’altro evidenziando il danno irreparabile. I colori differenti fra loro simboleggiano varie emozioni: - gioia - speranza - delusione - dolore La rottura della fiducia può essere un'esperienza traumatica, ma può anche portare a una maggiore consapevolezza di sé e a una crescita personale. Fede, affidamento, assegnamento, speranza, aspettativa, stima… sinonimi diversi ma con un unico significato: la fiducia è un elemento essenziale per costruire relazioni sane e durature, ma può anche essere facilmente infranta."

"Uno strappo può essere doloroso, evocando ferite, perdite o shock. Tuttavia, può anche essere liberatorio, rompere catene, liberare energie represse, permettere una nuova prospettiva."

"In questa tela le gocce di colore, come piccole esplosioni, punteggiano la superficie, aggiungendo un tocco di vitalità e di imprevedibilità. Il contrasto tra i colori caldi e freddi crea un'atmosfera di tensione e di armonia, un dialogo tra opposti che si attraggono e si respingono."

"La frase di Jobs è un'esortazione all'autenticità. Il modo in cui il testo emerge da questo sfondo apparentemente disordinato suggerisce che, anche nel pieno delle sfide, delle influenze esterne e del rumore del mondo, è possibile trovare la propria voce e il proprio percorso."

Vedo un salice piangente, i suoi colori creano un'atmosfera malinconica e contemplativa, tipica di un paesaggio autunnale; un simbolo di tristezza e di dolore, ma anche di speranza. Le gocce cadono verso il basso non sono solo lacrime, ma semi che cadono a terra, pronti a germogliare e a dare vita a una nuova stagione. Il titolo aggiunge un ulteriore livello di significato; l'immagine della pianta rappresenta i momenti difficili della vita, le tempeste emotive che ci travolgono. Tuttavia, il titolo ricorda che questi momenti sono passeggeri e che dopo la pioggia arriva sempre il sole."

"Questa è l'onda che spegne il fuoco, un simbolo di cambiamento, di purificazione e di una forza esterna che interviene per riportare l'equilibrio. L'onda è dinamica, con schizzi di colore che si propagano sulla tela, a rappresentare il suo impatto. Mentre l'onda avanza, il fuoco si affievolisce, le fiamme si smorzano, e i tratti neri si dissolvono. Il caos lascia il posto alla calma, la tensione si allenta. Il fuoco rappresentare lo stress, un periodo di difficoltà, una lotta interiore. L'onda simboleggiare una soluzione inaspettata, un momento di chiarezza o semplicemente una persona che ti aiuta a superare gli ostacoli. L'intero dipinto è una metafora del ciclo della vita, con i suoi alti e bassi, le sue sfide e le sue vittorie."

“Il Destino e la Connessione: Mi fa pensare al concetto di anime gemelle o di persone destinate a essere connesse, indipendentemente dalle circostanze della vita che le hanno divise. La casualità degli schizzi di colore che si ripete in ogni striscia rappresenta il destino o la natura innata che persiste nonostante la distanza.”

"Volevo racchiudere la mia visione sul tema dell’inquinamento atmosferico. Il blu intenso del cielo è interrotto da linee e macchie di colore scuro, che rappresentano lo smog e l'inquinamento. Il cielo, un tempo limpido e luminoso, è ora offuscato, oscurato dalla presenza di sostanze nocive. L'aria, un elemento essenziale per la vita, è ora minacciata dalla nostra stessa azione."

"I have the power simboleggia il potere personale, sulla capacità di ognuno di noi di prendere in mano la propria vita e di realizzare i propri desideri. Credere in sé stessi e nelle proprie capacità! Roy T. Bennett diceva: Credi nel tuo infinito potenziale. I tuoi unici limiti sono quelli che ti sei imposto".

“Ogni pezzo di tessuto colorato è unico, ma contribuisce al tutto. Questo simboleggia la varietà delle esperienze che compongono una vita: gioie, dolori, successi, fallimenti, incontri. "Mend Your Life" diventa un invito a non negare nessuna di queste parti, ma a integrarle tutte per formare un quadro completo e significativo.”

"Il vasto spazio bianco centrale, punteggiato da spruzzi di entrambi i colori, rappresenta l'anima umana. È qui che le influenze del Paradiso e dell'Inferno si manifestano, dove si prendono le decisioni, dove si vivono le conseguenze di queste forze contrapposte. È il luogo della scelta e della lotta interiore."

"Non lasciare indietro nessuno fa riflettere sulla solidarietà e sull'empatia. Ho voluto esprimere la mia visione di un mondo in cui nessuno è lasciato solo, in cui tutti sono inclusi e rispettati. I colori celebrano la bellezza della diversità, la ricchezza delle relazioni umane."

160 x 100 cm.

"La Terra è ferita, sta "sanguinando" a causa dell'impatto umano, del cambiamento climatico, dell'inquinamento, dello sfruttamento delle risorse. Questa è una lettura particolarmente forte e attuale. Le linee rosse diventano lacerazioni, cicatrici, o la fuoriuscita di una sostanza vitale che viene dispersa o persa."

"Fast fashion! La follia del consumo e dell'abbondanza incontrollata: le pennellate e i colori che si accavallano e si mescolano sulla tela, senza un ordine apparente, richiamano immediatamente l'idea delle 'migliaia e migliaia di tonnellate' di vestiti che vengono gettati via."

100 x 80 cm.

50 × 30 cm.

"Questa frase e’ il cuore pulsante dell'opera! E’ una celebrazione della libertà artistica e un rifiuto di qualsiasi tentativo di limitarla o demonizzarla. C'e’ una gioia prorompente nel fare arte, ma anche una consapevolezza che quest'arte puo’ essere vista come una minaccia e quindi deve essere difesa con orgoglio e forza."

"I have the power simboleggia il potere personale, sulla capacità di ognuno di noi di prendere in mano la propria vita e di realizzare i propri desideri. Credere in sé stessi e nelle proprie capacità! Roy T. Bennett diceva: Credi nel tuo infinito potenziale. I tuoi unici limiti sono quelli che ti sei imposto".

"Un'opera potente e carica di significato, che affronta il tema cruciale del nostro tempo: la deforestazione. La scelta di utilizzare il legno come supporto aggiunge un ulteriore livello di profondità all'opera, sottolineando il legame tra l'arte e la natura. Le pennellate caotiche e i colori contrastanti creano un'immagine di un paesaggio devastato, dove la natura è stata sopraffatta dalla mano dell'uomo. La mancanza di colori verdi e l'abbondanza di colori scuri e spenti simboleggiano la sete di denaro che spinge l'uomo a distruggere la natura. Le linee sottili e intrecciate rappresentano la perdita di biodiversità, la scomparsa di specie animali e vegetali che vivono nelle foreste. No tela.. no party è un grido di allarme, un invito a riflettere sulle conseguenze delle nostre azioni, sulla necessità di proteggere le foreste, polmoni verdi del nostro pianeta."

"Volevo evocare l'immagine di un pianeta Terra in trasformazione, un luogo dove la bellezza naturale si fonde con la speranza di un futuro più pulito. Mi sembra di osservare il pianeta dall’alto, i suoi mari, le sue montagne, i suoi deserti, tutti uniti in un'unica immagine.

"L'opera diventa una sorta di mappa per un viaggio interiore, dove ogni spettatore puo’ trovare il proprio percorso. I segni e dei colori rappresentano la complessita’ della psiche umana, con i suoi labirinti e le sue profondita’ nascoste. L'idea che ogni spettatore si connetta con l'opera in modo diverso e’ fondamentale. Non c'e’ un'unica interpretazione corretta, ma una moltitudine di possibili significati, che dipendono dalle esperienze e dalle emozioni di ciascuno."

"Un incontro tra passato e futuro prende vita su queste antiche pagine del XVIII secolo. Una sfida ai confini del tempo, sovrapponendo segni e colori contemporanei alla patina secolare della carta. Le pennellate, cariche di colore e di movimento, si fondono con la superficie antica, creando un dialogo visivo che trascende i secoli. Il contrasto tra la fragilità della carta antica e la forza espressiva del colore crea un'opera che interroga sul rapporto tra memoria e innovazione, tra tradizione e progresso. NEW on OLD celebra la bellezza dell'incontro tra epoche diverse, la capacita’ dell'arte di superare i confini del tempo e di creare un ponte tra passato e futuro."

"Le pennellate di fondo evocano l'idea di un'esistenza dinamica, caotica e piena di eventi inaspettati, mentre le strisce rappresentano il nostro desiderio intrinseco di trovare un senso, di imparare dagli altri, di applicare principi e saggezze per vivere meglio. Le frasi, come piccole ancore, si stagliano sul caos sottostante, offrendo spunti di riflessione e possibili vie d'uscita dalle complessità della vita. Gli aforismi agiscono come piccole guide, come promemoria di principi importanti che possono aiutarci ad affrontare le sfide."

"In Project Power ho trasformato le emozioni negative in energia creativa, utilizzando le pennellate come strumento per liberarmi dalle frustrazioni. La violenza delle pennellate, con la loro energia e la loro intensità, sembra voler celebrare la forza dell'emozione, la sua capacità di trasformare e di liberare."

"Un dipinto nato dall'incontro fortuito tra caso e creativita'. Questo cartone, originariamente destinato a proteggere altre opere durante la loro creazione, si e' trasformato in una tela. Le macchie di colore, testimonianza di un processo creativo in continua evoluzione, hanno creato uno sfondo ideale. Affascinato dalla bellezza di questa superficie inaspettata, ho deciso di aggiungere una figura femminile, una giovane geisha che sembra emergere dal caos. La sua figura, delicata e misteriosa, contrasta con la forza espressiva dello sfondo, creando un dialogo tra passato e presente, tra casualita' e intenzionalita'. Reira celebra la bellezza dell'imperfezione, la capacita' dell'arte di trasformare l'ordinario in straordinario."

"Save the Planet rappresenta la crisi ambientale. Attraverso l'uso di colori vivaci e contrastanti, volevo presentare un'immagine del mondo soffocato dagli scarichi e dall'inquinamento. Le risorse necessarie per affrontare la crisi ambientale ci sono, ma manca la volonta' di investire. Ognuno di noi e' chiamato a fare la propria parte per ridurre l'impatto ambientale e contribuire a un futuro piu' sostenibile. La forza espressiva dell'immagine suggerisce che un cambiamento e' possibile, se solo si agisce con urgenza e determinazione."

Sezione Inferiore (Ideale): "La parte inferiore della tela è dominata da un blu intenso, che evoca l'immagine di un mare cristallino. Questo blu, steso con pennellate fluide e uniformi, trasmette un senso di calma, purezza e profondità. Rappresenta l'ideale di un mondo incontaminato, un luogo di pace e bellezza naturale." Sezione Superiore (Realtà): "Sopra la superficie blu, si erge un caos cromatico di colori sgargianti e dissonanti. Gocce, schizzi e colature di vernice si sovrappongono e si intrecciano, creando un effetto di disordine e confusione. I colori, vivaci e saturi, sembrano urlare, riflettendo l'energia frenetica e caotica del mondo contemporaneo. Questa sezione rappresenta il mondo reale, un ambiente inquinato e trascurato, dove la bellezza naturale è soffocata dall'incuria umana. La tecnica della pittura a goccia e a schizzo, con la sua apparente casualità, sottolinea l'idea di un mondo fuori controllo, dove l'uomo ha perso la capacità di prendersi cura del proprio ambiente."

"In Project Power ho trasformato le emozioni negative in energia creativa, utilizzando le pennellate come strumento per liberarmi dalle frustrazioni. La violenza delle pennellate, con la loro energia e la loro intensità, sembra voler celebrare la forza dell'emozione, la sua capacità di trasformare e di liberare."

"Un volto femminile, catturato in un momento di intensa espressione, urla. Ma e’ un urlo di dolore, di rabbia, di gioia liberatoria? L'ambiguita’ dell'espressione, accentuata dal contrasto tra il bianco del volto e il nero dello sfondo, lascia spazio a molteplici interpretazioni. Il pluriball, che ricopre la superficie dell'opera, crea un effetto di distorsione e di isolamento, come se l'urlo fosse intrappolato in una bolla, incapace di raggiungere il mondo esterno. Un'opera che fa pensare sulla natura delle emozioni umane, sulla loro forza e sulla loro fragilita’, sulla loro capacita’ di essere sia liberatorie che soffocanti."

"I contrasti cromatici prendono vita in quest'opera, dove strisce di carta dipinte in bianco e nero si sovrappongono e si intrecciano in un dinamico gioco di forme. La superficie crea un effetto tridimensionale che sfida la percezione dello spettatore. Gli schizzi di pittura, come segni indelebili del gesto artistico, aggiungono un tocco di caos, mentre la striscia gialla, come lama di luce, irrompe nella monocromia, creando un punto focale travolgente. E’ un'indagine sulla forza espressiva del bianco e nero, un'esplorazione delle infinite possibilità della carta come medium artistico, un invito a guardare oltre l'apparenza e a scoprire la bellezza nascosta."

"L'opera vuole simboleggiare la danza eterna: due ballerini che continuano a danzare anche dopo la morte."

"Un volto femminile emerge dall'opacità del cartongesso grezzo. Lo sguardo, profondo e pensieroso, rivela un universo interiore ricco di sfumature. Cosa sta pensando questa ragazza? Forse ripercorre i ricordi di una notte insonne, o forse immagina un futuro lontano. I suoi occhi, grandi e luminosi, sono finestre aperte su un mondo di emozioni contrastanti: malinconia, desiderio, speranza. Un'opera che invita l'osservatore a interrogarsi sui misteri dell'esistenza, a perdersi nei pensieri di una ragazza che ci guarda con occhi pieni di domande."

"Il vetro simboleggia la fragilita’ delle relazioni umane. La metafora del vetro rotto rappresenta la rottura della fiducia e i margini tra un frammento e l’altro evidenziando il danno irreparabile. I colori differenti fra loro simboleggiano varie emozioni: - gioia - speranza - delusione - dolore La rottura della fiducia puo’ essere un'esperienza traumatica, ma puo’ anche portare a una maggiore consapevolezza di se’ e a una crescita personale. Fede, affidamento, assegnamento, speranza, aspettativa, stima… sinonimi diversi ma con un unico significato: la fiducia e’ un elemento essenziale per costruire relazioni sane e durature, ma puo’ anche essere facilmente infranta."

"Un'esplosione di energia positiva si sprigiona da questa tela, dove la frase Never Give UP si ripete come un mantra. Le lettere, dipinte con colori vivaci e contrastanti, sembrano gocciolare sulla tela, come lacrime di gioia o di fatica, trasformandosi in una cascata di speranza. Un messaggio di speranza che risuona come un eco, un promemoria costante: non mollare mai."

"In Project Power ho trasformato le emozioni negative in energia creativa, utilizzando le pennellate come strumento per liberarmi dalle frustrazioni. La violenza delle pennellate, con la loro energia e la loro intensità, sembra voler celebrare la forza dell'emozione, la sua capacità di trasformare e di liberare."